The Velvet Underground (álbum) – Wikipédia, a enciclopédia livre

 Nota: Este artigo é sobre o álbum homônimo The Velvet Underground. Para o artigo sobre a banda, veja The Velvet Underground.
The Velvet Underground
Álbum de estúdio de The Velvet Underground
Lançamento Março de 1969
Gravação Novembro–dezembro de 1968
Estúdio(s) TTG, Los Angeles[1]
Gênero(s)
Duração 43:53
Idioma(s) Estados Unidos Inglês
Gravadora(s) MGM
Produção The Velvet Underground
Cronologia de The Velvet Underground
White Light/White Heat
(1968)
Loaded
(1970)
Singles de The Velvet Underground
  1. "What Goes On"
    Lançamento: Março de 1969[2]

The Velvet Underground é o terceiro álbum de estúdio da banda norte-americana de rock The Velvet Underground. Lançado em março de 1969 pela gravadora MGM, foi seu primeiro disco com Doug Yule, que substituiu o membro anterior John Cale.

Gravado no final de 1968 nos estúdios TTG em Los Angeles, o som do álbum – feito principalmente de baladas e canções de soft rock – marcou uma notável mudança de estilo em relação às gravações anteriores da banda. Lou Reed fez isso intencionalmente como resultado do abrasivo álbum anterior, White Light/White Heat. Yule contribui com vocais principais em algumas faixas, enquanto a faixa de encerramento "After Hours" é cantada por Maureen Tucker.

Liricamente, o álbum discute sobre o amor, contrastando com os lançamentos anteriores da banda. Reed concebeu a ordem das faixas e baseou suas composições em relacionamentos e religião. A canção "Pale Blue Eyes" foi aclamada como uma de suas melhores canções de amor, embora "The Murder Mystery" seja conhecida por sua experimentação em um retorno ao White Light/White Heat.

Billy Name tirou a fotografia do álbum da banda sentada em um sofá na Factory de Andy Warhol. O processo de gravação começou a curto prazo e, embora a banda estivesse com o moral alto, eles ficaram desapontados por Reed ter criado sua própria mixagem do produto final.

Críticas contemporâneas elogiaram o álbum, que foi um ponto de virada para a banda. No entanto, falhou nas paradas, novamente sofrendo com a falta de promoção pela gravadora da banda. Críticas retrospectivas o classificaram como um dos maiores álbuns da década de 1960 e de todos os tempos, com muitos críticos notando sua produção moderada e letras pessoais. Em 2020, a Rolling Stone o classificou no número 143 em sua lista dos "500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos".

Antecedentes[editar | editar código-fonte]

Cale foi expulso do grupo em setembro de 1968, e Yule foi contratado como baixista. Yule foi descoberto por Morrison através do outro empresário da banda, Hans Onsager.[3] Semanas depois que Yule se juntou ao Velvet Underground, eles começaram a gravar seu terceiro álbum.[4] Lou Reed, principal compositor da banda, acreditava que a banda não deveria fazer novamente algo como o White Light/White Heat.[5]

Achei que seria um erro terrível, e realmente acreditei nisso. Achei que tínhamos que demonstrar o outro lado de nós. Caso contrário, nos tornaríamos essa coisa unidimensional, e isso deveria ser evitado a todo custo."[5] – Lou Reed

História[editar | editar código-fonte]

De acordo com Morrison, no início de 1968 a maioria dos equipamentos da banda foram roubados no Aeroporto Internacional John F. Kennedy, o que influenciou o som do álbum. No entanto, Yule rejeita sua afirmação, explicando que não se lembra de tal evento, esclarecendo que a banda estava simplesmente tocando mais melodicamente – Tucker também diz isso. Reed durante este tempo tinha um gosto crescente por músicas tranquilas, e em uma entrevista com Lester Bangs ele destacou as faixas "Jesus" e "Candy Says", declarando que a última é "provavelmente a melhor música que eu escrevi".[4] Reed considerou que White Light/White Heat foi o mais longe que a banda poderia ir com tal produção e adicionalmente chamou cada álbum que a banda fez de um "capítulo".[2]

Eles começaram a gravar depois de uma turnê na Costa Oeste e o empresário da banda, Steve Sesnick, obteve um tempo curto no estúdio, então a banda teve pouco tempo para se preparar.[6] Na época, Reed estava gerenciando o relacionamento com sua namorada Shelley Albin, o que influenciou sua composição.[7]

Gravação[editar | editar código-fonte]

The Velvet Underground foi gravado durante os meses de novembro e dezembro de 1968, nos estúdios TTG em Los Angeles. A banda ficou no hotel Chateau Marmont e excursionou com frequência enquanto gravava.[4] Eles escreviam e ensaiavam no hotel à tarde, gravando as músicas à noite.[8] Reed e Morrison tocaram guitarras de 12 cordas.[4][8] A moral no estúdio era geralmente alta – Yule disse que gravar o álbum "foi muito divertido. As sessões foram construtivas, felizes e criativas, todos estavam trabalhando juntos".[5] De acordo com Yule, levou "algumas semanas para as gravações básicas", descrevendo-o adicionalmente como um "álbum '[feito] ao vivo' de estúdio". Reed intencionalmente tentou colocar Yule no centro das atenções, e os membros da banda suspeitaram que isso poderia ter inflado seu ego. Geralmente, as sessões tinham uma atmosfera feliz;[9] Tucker disse que ela "estava satisfeita com a direção que estávamos indo e com a nova 'calma' no grupo, e pensando em um bom futuro, esperando que as pessoas se tornassem inteligentes e alguma gravadora nos aceitasse e nos fizesse justiça".[5]

"The Murder Mystery" inclui as vozes de todos os quatro membros. Yule afirma que a música foi gravada em um estúdio da MGM na Sexta Avenida, em Nova Iorque, embora isso contradiga nas notas do disco.[4] A música de encerramento do álbum, "After Hours", tem um raro vocal de Tucker, solicitado por Reed quando ele sentiu a qualidade doce e inocente de sua voz se encaixar melhor no humor da música do que no seu.[10] Tucker estava nervosa enquanto gravava a faixa, e depois de oito takes fez todos saírem do estúdio, exceto ela, Reed e o produtor Val Valentin. Depois que ela terminou, disse que não iria cantá-la ao vivo a menos que alguém pedisse. Reed gravou vários solos de guitarra para "What Goes On"; quando Valentin comentou sobre como eles estavam ficando sem espaço nas fitas, a banda decidiu manter todos eles,[4] já que Reed não conseguia decidir qual deles soava melhor.[11] Quando Reed fez sua própria mixagem para o álbum – que abafou outras as partes, exceto seus vocais – Morrison e Tucker ficaram irritados.[8] Morrison descreveu o produto final como "anti-produção".[11]

Capa[editar | editar código-fonte]

A capa foi feita por Billy Name, apresentando a banda sentada em um sofá na Factory de Andy Warhol. Billy recebeu 300 dólares pela fotografia, que era o máximo que ele havia recebido na época por uma foto.[2] Yule e Tucker estão olhando para Reed, e Morrison está olhando para longe – de acordo com Tucker, isso é porque Reed estava falando sobre a capa da revista.[12] A contracapa é uma foto de Reed fumando, dividida em duas metades com uma delas de cabeça para baixo, ambas mostrando apenas o lado esquerdo do rosto. Cada lado inclui a lista de faixas e créditos do álbum, que também estão de cabeça para baixo.[2] Reed segurava uma edição da Harper's Bazaar.[9] A capa levou o disco a ser apelidado de "Gray Album" (Álbum cinza).[13]

Um anúncio usado pela MGM para a divulgação de "What Goes On"

Lançamento e vendas[editar | editar código-fonte]

Quando o álbum foi lançado em março de 1969, os créditos de composição listavam toda a banda, embora Reed tenha escrito todas as suas músicas. Lançamentos posteriores rotulariam Reed como o único compositor. A banda mudou da gravadora Verve para a MGM por razões desconhecidas – Morrison diz que isso foi simplesmente "uma mudança administrativa".[2] Em última análise, a decisão de se mudar para a MGM foi de Steve Sesnick.[12]

Duas mixagens do álbum foram lançadas. A mixagem inicial é de Reed, que aumenta seus vocais e abaixa os instrumentos, e foi a primeira mixagem vendida nos Estados Unidos. Morrison observou que soa como se fosse gravado em um armário, o que levou ao seu apelido de "Closet Mix" (Mix do armário). Val Valentin produziu uma mixagem mais convencional, que Yule mais tarde diria que desconhecia.[2] A mixagem mais amplamente distribuída é creditada a Valentin,[9] distribuída por toda a Europa.[1] As duas versões usam versões totalmente diferentes de "Some Kinda Love", ambas tiradas das mesmas sessões de gravação. O "Mix do armário" foi escolhido para inclusão mais tarde no box set Peel Slowly and See.[14]

Enquanto Onsager não planejava fazer uma turnê até que dois singles comercialmente bem-sucedidos fossem lançados, sua agenda de turnês permaneceu quase ininterrupta, e apenas um single foi lançado. "What Goes On" foi lançado em março de 1969, com "Jesus" como seu lado B. A gravadora o promoveu em um anúncio, mas sua distribuição foi bastante limitada. A MGM também o listou em revistas como Rolling Stone, Creem e Village Voice. Em última análise, não conseguiu entrar nas paradas da Billboard, o primeiro disco da banda a fazê-lo. Tucker atribuiu isso à falta de promoção, enquanto Yule observou como o álbum não era mainstream.[2] Devido ao seu fracasso, a MGM não planejou em lançar outro álbum da banda.[1]

Recepção contemporânea[editar | editar código-fonte]

O crítico Richie Unterberger observou como The Velvet Underground soou muito mais comercial do que qualquer um dos álbuns anteriores da banda e o rotulou como o ponto em que a crítica se tornou mais positiva.[2] Apesar disso, no entanto, o álbum falhou nas paradas e teve menos sucesso do que seus dois anteriores.[11] Revisando o álbum para o Village Voice em 1969, Robert Christgau o viu como o melhor trabalho da banda e o achou "melodioso, bem escrito e excepcionalmente cantado", apesar de "outro experimento chato" em "The Murder Mystery", que ele chamou de "algum mistério [em] estéreo". Mais tarde, ele o incluiu em sua lista de gravações dos anos 1950 e 1960, publicada no Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies.[15]

Lester Bangs, escrevendo para a revista Rolling Stone, sentiu que não está no mesmo nível de White Light/White Heat e tem erros com "The Murder Mystery" e "Pale Blue Eyes", mas disse que sua combinação de música poderosamente expressiva e letras profundamente sentimentais convencerão os detratores da banda a acreditar que podem "escrever e tocar qualquer tipo de música que quiserem com igual brilho".[16] Paul Williams, da Crowdaddy!, declarou que "todo mundo ama" o novo lançamento da banda e o classificou como seu favorito pessoal desde Forever Changes do Love. Bob Stark, da Creem, observou como era "tão 'distante' quanto qualquer um dos dois [álbuns anteriores]".

Outros jornais como Chicago Seed, Record World, Cashbox e Variety elogiaram o álbum, com o último afirmando que é "uma importante contribuição para o avanço lírico do rock". Adrian Ribolla da Oz, no entanto, lamentou que o "Velvet Underground realmente não soe junto neste álbum". Broadside ansiava pelo som mais antigo da banda.[2] Melody Maker, enquanto elogiava o álbum, simultaneamente o descartou, pouco comentando que "não é sensacional, mas interessante". Em outubro de 1969, Richard Williams da mesma revista elaborou que "a velha crueldade ainda estava lá", rotulando a antiga crítica como errônea e saudando os três primeiros álbuns da banda como "um corpo de trabalho que é facilmente tão impressionante quanto qualquer no rock".[17]

Recepção retrospectiva[editar | editar código-fonte]

The Velvet Underground não impactou a Billboard 200 até seu relançamento em 1985, quando alcançou o número 197.[18] De acordo com a Billboard, The Velvet Underground vendeu 201 mil cópias desde 1991.[18]

Em uma revisão do relançamento do álbum em 1985, David Fricke, da Rolling Stone, observou que tanto o The Velvet Underground quanto seu antecessor não têm a variedade do álbum de estreia da banda em 1967 e a acessibilidade precisa do [futuro] Loaded. No entanto, ele sentiu que o álbum ainda é edificante como um ciclo de canções suaves e sutilmente amplas, cuja produção dura surpreendentemente revela a essência das composições mais expressivas de Reed. Fricke citou o "par irônico" de "Pale Blue Eyes" e "Jesus" como o melhor resumo do "calor esperançoso no centro da raiva dos 'Velvets'".

Outras críticas saudaram a produção moderada do álbum. Colin Larkin, escrevendo em sua Encyclopedia of Popular Music, disse que o álbum apresentou uma nova sutileza por causa do papel maior de Reed na banda e que "revelou uma abordagem pastoral, mais suave, mantendo a aura arrepiante e inquietante de lançamentos anteriores."[19] Em The Rolling Stone Album Guide, Rob Sheffield escreveu que após a saída de Cale, a banda se tornou "mestres em baladas acústicas" e que Reed foi inesperadamente encantador no álbum, cuja "cada música é um clássico". A revista Q chamou o álbum de "uma performance de banda cintilante e inesquecível". Nick Butler, da Sputnikmusic, sentiu que, embora não seja tão bom quanto o álbum de estreia da banda, The Velvet Underground "ainda é um álbum brilhante".[20] Greg Kot, da Chicago Tribune, destacou a contribuição moderada de Reed para o álbum, a resumindo: "Pela primeira vez sem John Cale, [Reed] cria um folk rock calmo e incrivelmente bonito".[21] Mark Deming, do AllMusic, escreveu que as músicas do álbum são "as mais pessoais e comoventes que a banda já gravou". Brian Eno o declarou seu álbum favorito da banda.[2]

Legado[editar | editar código-fonte]

The Velvet Underground foi eleito o número 262 na terceira edição do All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin.[22] Em 2003, foi classificado como número 314 pela Rolling Stone em sua lista dos "500 Maiores Álbuns de Todos os Tempos". Caindo para 316 na revisão de 2012, e subindo para 143 na revisão de 2020.[23][24][25] A revista NME o nomeou o 21º melhor álbum de todos os tempos em uma lista dos "100 Melhores Álbuns de Todos os Tempos".[26] A lista dos 200 melhores álbuns da década de 1960 da Pitchfork, feita em 2017, o classificou no número 12, acima de Electric Ladyland da Jimi Hendrix Experience.[27] Uncut listou-o no número 52 em seus "200 Maiores Álbuns de Todos os Tempos", acima de Third/Sister Lovers de Big Star, mas atrás de Tapestry de Carole King.[28]

Robert Dimery incluiu o álbum na edição de 2018 de seu livro 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[29] Com base em suas aparições em rankings e listagens profissionais, o site Acclaimed Music lista The Velvet Underground como o 11º álbum mais aclamado de 1968, o 39º álbum mais aclamado da década de 1960 e o 188º álbum mais aclamado da história.[30]

Conteúdo[editar | editar código-fonte]

A contenção e sutileza do álbum foi um afastamento significativo da abrasividade direta de White Light/White Heat.[31][32] Reduz as referências sexuais explícitas de seus esforços anteriores, horror e referências a drogas, substituindo-as por discussões sobre religião, amor e solidão.[9] O crítico de música Greg Kot, da Chicago Tribune, caracterizou-o como folk rock,[33] e Troy Carpenter, da revista Rolling Stone, disse que se concentrava no soft rock melódico.[31] De acordo com o jornalista musical Steve Taylor, The Velvet Underground é um álbum pop por causa de suas músicas mais acessíveis e "foi chamado de 'Lou Reed com uma banda de apoio' devido à ênfase colocada nas músicas em vez de trabalhos sonoros experimentais".[34] O biógrafo Richie Unterberger comentou sobre sua dramática mudança no som: "Tendo feito talvez o álbum mais barulhento de todos os tempos, é quase como se eles tivessem decidido fazer o álbum mais silencioso do mundo".[4] Reed disse que todas as músicas estavam em ordem e se complementam, elaborando em uma entrevista com Howard Smith:[2]

Havia certas perguntas na faixa de abertura [...] e então foi delineado, você sabe, através de várias fases. Termina com 'Jesus', dizendo [algo como] 'agora me ajude a fazer isso, cara'. [...] E depois que você passou por tudo [...] dali até aqui, que é como uma pessoa comum passa, você se depara com 'The Murder Mystery', que é uma inversão total de tudo. Porque você não deveria se deparar com isso, mas você foi. Assim como nos outros álbuns [...] as pessoas não pegaram [a ordem das faixas]. E neste, eu senti que era óbvio. Mas talvez não fosse. [...] E finalmente ele resume, ele diz: 'Essa é a história da minha vida.' Mas o que realmente está acontecendo fora de você é 'The Murder Mystery' [...] então depois disso, foi meio que, bem, 'After Hours', o que você poderia dizer depois de 'The Murder Mystery'? Exceto que "você fecha a porta, a noite pode durar para sempre." [Em referência a um verso de 'After Hours'] O que é verdade.[2]

Reed considerou cada música como "pequenas peças", liricamente sem relação com ele mesmo.[4] Além das vigorosas "What Goes On" e "Beginning to See the Light", o álbum contém músicas mais melódicas e reflexivas que tratam de várias formas de amor,[32] como "Pale Blue Eyes", "Some Kinda Love", "Jesus ", "I'm Set Free" e "That's the Story of My Life". As guitarras gêmeas de Reed e Morrison se tornaram o som mais proeminente da banda,[32] e o álbum tinha arranjos extras que não tinham distorção. A única música que exibiu as raízes de vanguarda da banda é "The Murder Mystery".[32] A música levou duas sessões de gravação, e seu poema foi posteriormente incluído no Paris Review.[11]

Lado A[editar | editar código-fonte]

A faixa de abertura "Candy Says" é inspirada na drag queen e atriz Candy Darling, que era membro da Factory.[10][4] Yule canta um conto sobre Darling, que odeia seu corpo e está com dor emocional.[9] Ele faz referência aos pensamentos de Darling afirmando ambiguamente "I’ve come to hate my body / And all that it requires in this world". (Eu vim a odiar meu corpo / E tudo o que ele requer neste mundo).[35] Darling reapareceria no sucesso de Reed em 1972, "Walk on the Wild Side".[36] Morrison diz que a escolha de Yule cantar a música foi porque Reed estava desgastado pela turnê. Yule é apoiado por harmonias 'doo wop' e vocais de apoio. Esta foi a primeira vez que Yule cantou em um estúdio.[4][36]

"What Goes On" é otimista e combina várias partes de guitarra com um órgão; este órgão, tocado por Yule, está presente em mais músicas do disco.[4] Descrito como a "anomalia" do lado A por Rob Jovanovic, é completo com uma "batida agitada", seu som é resultado de Reed aumentar o volume de sua guitarra durante a gravação.[9] R.C. Baker classificou essa música como "um dos maiores hinos existenciais do rock and roll".[37]

"Some Kinda Love" contém letras lascivas, contrastando com o disco, mas ainda tem elementos moderados – Tucker usa apenas um chocalho e o bumbo.[4] Descreve ambiguamente o amor, especificamente o amor religioso.[9] Reed faz referência ao "Hollow Men" de T. S. Eliot.[10] Ele escreve sobre dois personagens, Tom e Marguerita, detalhando uma flerte entre eles.[1] Victor Bockris cita isso como outro exemplo "onde [Reed] faz as letras do rock funcionarem como literatura".[12] Grow disse que esta música explica como o amor é uniforme, enquanto "Pale Blue Eyes" simplesmente discutia "outro tipo de amor", especificamente o adultério, de acordo com Reed.[11]

"Pale Blue Eyes" foi considerada uma das maiores canções de amor de Reed – Morrison a destacou em uma entrevista de 1981. A composição do mesmo remonta a 1966;[4] foi tocada ao vivo desde meados de 1966.[38] Ele descreve o adultério e o pecado como uma extensão das referências religiosas do álbum.[9] Foi inspirado na namorada de Reed na época, Shelley Albin.[14] De acordo com Reed, ele escreveu para alguém que ele sentia falta; faz referência a "I'll Be Your Mirror" e "Been Down So Long It Looks Like Up To Me" de Richard Fariña.[10] Além disso, Steve Sesnick especula que algumas falas são sobre a saída de Cale.[39] Tucker toca um pandeiro.[1] Reed elogiou o solo de guitarra de Morrison na música:[4]

Eu nunca poderia fazer isso. Eu sempre me perguntei como diabos ele fez. Mas era apenas a maneira como ele tocava – intuitivo, mas o intuitivo combinado com o cérebro.[4] – Lou Reed

De acordo com Reed, "Jesus" não tem nada a ver com religião, embora ele a tenha descrito como uma canção "de busca". No entanto, Reed pede a Jesus redenção na forma de um sermão alegre.[4] Reed tinha pouco interesse em religião; a mensagem da música é geralmente profano.[1] Durante o curso da música, o baixo de Yule assume um papel principal no apoio instrumental.[9]

Lado B[editar | editar código-fonte]

"Beginning to See the Light" usa uma frase associada à redenção religiosa. Na música, Reed discute sua revelação imaginada[4] e afirma sua distinção de ser amado,[12] desta vez em relação à religião.[11] Ele aborda o movimento do amor livre com as linhas "Here we go again / I thought you were my friend" (Aqui vamos nós de novo / Eu pensei que você fosse meu amigo), depois comentando "Como é ser amado?"[13]

"I'm Set Free" é ambíguo, embora saúda Spector; as despedidas no final da música imitam as de "You've Lost That Lovin' Feelin'" da banda Righteous Brothers. Richie Unterberger elogia o solo de guitarra como "um dos mais subestimados do grupo".[4] Esta música também é cantada por Yule.[9] Na música, Reed afirma que está livre de um relacionamento,[11] embora eventualmente descubra que isso não é verdade.[12]

"That's the Story of My Life" tem instrumentação mínima, embora também faça referência a Billy Name. Originalmente, Cale tocava viola para a música em versões ao vivo, embora nenhuma viola tenha sido incluída nesta versão de estúdio.[4] Durante a música, quatro linhas da letra são repetidas.[9] O título e a letra foram inspirados por um comentário de Billy, que apresentou Reed a uma de suas maiores influências, Alice Bailey.[1] Bockris resume o tema desta música: "A diferença entre o certo e o errado é a história da vida de [Reed]".[12]

"The Murder Mystery" é uma canção narrada.[4] Ele incorpora um ritmo raga, com um órgão murmurante, passagens sobrepostas de palavras faladas e vocais cadenciados de contraponto.[40] Durante os versos, Lou Reed e o guitarrista Sterling Morrison recitam diferentes versos de poesia simultaneamente, com as vozes posicionadas estritamente à esquerda e à direita. Para os refrões, Tucker e Yule cantam letras e melodias diferentes ao mesmo tempo, também separadas à esquerda e à direita.[4] Unterberger observou que tem "pouca melodia", e sua narrativa é repetitiva, comparando-a com "discos de 78 rotações e 16 rotações tocados simultaneamente", a faixa fecha com um piano "progressivamente enlouquecido". Da música, Reed fez referência a "Sister Ray", elaborando que a música "faz parte do romance que é um mistério de assassinato". Nunca foi tocada ao vivo em sua totalidade – Morrison elaborou que seria muito difícil de tocar.[4] Reed a classificou como um fracasso, pois queria que "um vocal estivesse dizendo o oposto [lírico] do outro".[9]

"After Hours" se assemelha a música anterior à Grande Depressão. Este foi seu único lançamento na época com Tucker cantando os vocais principais. Tucker não toca percussão; ela é apoiada apenas por um violão. Um disco mais antigo nomeou a faixa como "If You Close the Door (Moe's Song)".[4] Geralmente, a música discute o isolamento intencional.[11]

Faixas[editar | editar código-fonte]

Todas as faixas escritas e compostas por Lou Reed. 

Lado A
N.º Título Duração
1. "Candy Says"   4:04
2. "What Goes On"   4:55
3. "Some Kinda Love"   4:03
4. "Pale Blue Eyes"   5:41
5. "Jesus"   3:24
Lado B
N.º Título Duração
1. "Beggining to See the Light"   4:41
2. "I'm Set Free"   4:08
3. "That's the Story of My Life"   1:59
4. "The Murder Mistery"   8:55
5. "After Hours"   2:07

Ficha técnica[editar | editar código-fonte]

The Velvet Underground

  • Lou Reed – vocais principais, guitarras, piano
  • Doug Yule – baixo, orgão; vocais principais (em "Candy Says" e "I'm Set Free"), vocais de apoio
  • Sterling Morrison – guitarras, vocais de apoio
  • Maureen Tucker – percussão, vocais principais (em "After Hours"), vocais de apoio

Produção

  • Lou Reed – produtor ("Closet Mix")
  • Val Valentin – produtor
  • Billy Name – fotografia

Relançamentos[editar | editar código-fonte]

Junto com os três primeiros álbuns do grupo, The Velvet Underground recebeu um relançamento em 1985.[4][41] Esses foram inesperadamente bem-sucedidos, o que levou a mais lançamentos futuros pelo selo da PolyGram, como Another View. O álbum foi incluído no box set Peel Slowly and See,[41] e mais tarde receberia sua 45th Anniversary Super Deluxe Edition , incluindo versões mono das faixas, demos e shows ao vivo.

Certificações[editar | editar código-fonte]

Região Certificação Vendas
Reino UnidoReino Unido (BPI)[42] Ouro 100.000

Referências[editar | editar código-fonte]

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  39. ↑ Bockris & Malanga 1996, pp. 100-104.
  40. ↑ Schinder, Scott; Schwartz, Andy (2008). Icons of Rock: An Encyclopedia of the Legends Who Changed Music Forever. 2. [S.l.]: Greenwood Publishing Group. p. 318. ISBN 978-0313338472 
  41. ↑ a b Unterberger 2017, chpt. 9.
  42. ↑ «Award». BPI (em inglês). Consultado em 15 de fevereiro de 2022 

Bibliografia

Leitura adicional

Mauro, J-P (13 de Abril de 2018). «The Velvet Underground's earnest prayer: "Jesus"». Aleteia 

Ligações externas[editar | editar código-fonte]

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